Come hai incontrato l'arte?
Fin dall'infanzia, sono sempre stato affascinato dall'osservare le cose, percepire da dove vengono, come sono composte e come possono quindi evolversi. Tutto sembrava un puzzle, un puzzle da risolvere, da sparpagliare, tornare all'inizio e ricominciare. Con il passare degli anni, il disegno è arrivato a portare tranquillità in questa ricerca, sebbene non fosse altro che un'attività di svago.
Come ogni adolescente, aspiravo a essere molte cose, uno psicologo, un regista, un matematico, un architetto. Un sognatore per tutta la vita, si direbbe, che ha sempre difficoltà ad adattarsi alla realtà delle cose. E poi, all'età di circa 16 anni, ho preso lezioni di arte, con l'obiettivo di dedicarmi all'architettura. È stato lì che ho iniziato a capire cosa sia veramente l'Arte.
Dopo cinque anni di preparazione, all'età di 21 anni, sono stato ammesso a un corso di pittura quadriennale alla Gray's School of Art in Scozia, dove ho potuto esplorare ulteriormente questo percorso. Lavorando con gli oli in quegli anni, la pittura è diventata uno stile di vita e non più un semplice mezzo.
C'è un elemento artistico con cui ti piace lavorare di più?
In passato, ho avuto la possibilità di sperimentare diversi mezzi, temi, tecniche e stili. Provenire da un contesto classico mi ha portato a ritenere il disegno a matita il fondamentale punto di partenza per ogni opera. Usare i righelli era fuori questione. Attraverso composizioni di nature morte e sessioni di disegno dal vivo, ho imparato le basi: la luce definisce il soggetto e l'ombra completa la forma.
Tutti i materiali e le materie praticate allora erano visti come la base che portava all'università e, infine, a ciò su cui sto attualmente lavorando. Uso gli oli da otto anni ormai e, senza dubbio, sento che c'è ancora molto da scoprire dal momento che ogni volta che un pezzo si avvicina al completamento, la ricerca del miglioramento si intensifica.
L'aspetto positivo e negativo degli oli è che l'essiccazione richiede del tempo. Da un lato, se qualcosa non funziona, hai la possibilità di raschiare e ricominciare. D'altra parte, se lo fa, dovresti aspettare che si asciughi. È un mezzo che richiede molto tempo, ma a lungo termine la durata della qualità offerta non è seconda a nessuno. Tuttavia, disegno sempre prima di iniziare un dipinto, poiché il disegno è fondamentale per descrivere l'immaginazione.
Ci sono argomenti o temi specifici su cui ritorni regolarmente nella tua arte?
"Ciò che è stato percepito nella luce e ciò che è stato concepito nell'oscurità", era questo il titolo della mia prima mostra personale nel 2018. Con questo come guida, ho lavorato e continuo a lavorare alla creazione di diverse tipologie di dipinti. I temi stessi provengono da vari luoghi: abituale e naturale, filosofico, retorico e metafisico, spingendo lo spettatore in acque inesplorate, sia soggettivamente che oggettivamente. Ogni scena è rappresentata soppesando vari elementi come lo spazio, il tempo, la religione, la moralità e il desiderio di mettere in discussione e quindi sfidare il dato.
Poiché la vita di tutti i giorni filtra all'infinito attraverso una percezione in continuo cambiamento, l'obiettivo è quello di esplorare ulteriormente la padronanza del passato attraverso una prospettiva del presente. Decostruendo la base con una svolta, il mio lavoro intende creare un portale, vagando ai confini tra realtà e finzione.
Quali sono le tue influenze?
Tutto e niente. Tuttavia, parlando della totalità della materia, sia che si tratti di sostanza fisica o di significato, si potrebbe benissimo sostenere che l'astrazione mi segue più che spesso. In quanto esseri umani abbiamo questa tendenza a valorizzare certi oggetti più di altri. Sentimentalità: un prodotto di eredità, esperienza e percezione, che varia da individuo a individuo. Eppure è l'oggettività che guida veramente la ragione, l'estensione di quello che siamo.
I punti di fuga sono spesso citati nel mio lavoro. Alcuni sono meno visibili di altri, adattandosi all'umore e allo scopo. Tuttavia, le componenti più semplici rimangono costanti. Non importa quante linee convergono, tutto inizia e finisce con un pezzo di legno, la tavolozza del pittore.
L'influenza proviene da diverse fonti, dalle pitture rupestri alle composizioni barocche e all'uso del chiaroscuro di Caravaggio. Dal surrealismo distopico di Beksinski alle composizioni strutturali, alle sculture e alle installazioni contemporanee di Anselm Kiefer, l'esplorazione dei concetti rimane senza limiti. Inoltre, la letteratura e la musica migliorano questa ricerca poiché danno contesto e ritmo al visivo.
Come immagini il futuro dell'arte?
Inizialmente, le belle arti sono state adottate per servire scopi estetici e/o intellettuali. Ma prima che qualcosa prenda linea, forma, spazio e valore, è necessario riconoscere il significato dei fondamenti di qualsiasi opera d'arte. Ciò deriva dalla cultura, dall'istruzione e dalla consapevolezza generale della libertà di espressione. Con il passare degli anni, però, la tecnologia si sta integrando sempre di più nelle nostre vite, rendendo quasi superfluo fare le cose manualmente. A poco a poco la vita diventa digitale, distaccando l'umano dall'impegno fisico e spingendosi così verso una percezione egocentrica di cosa sia l'esistenza. Date le sfide che l'umanità è stata chiamata ad affrontare quest'anno, la tecnologia continuerà inevitabilmente a prosperare per molti. Indubbiamente, anche gli artisti trarranno vantaggio da queste circostanze in quanto aumenteranno le possibilità di visibilità e riconoscimento per un pubblico più ampio. Tuttavia, "ruba" il senso e la sensazione generale di ciò che è l'arte e di ciò che avrebbe dovuto essere. Visitare musei e mostre nella vita reale o anche vivere un concerto, uno spettacolo dal vivo, uno spettacolo teatrale è insostituibile. Quindi, non importa quanto progredisca il mondo digitale, è ancora vitale che l'arte rimanga in contatto con l'umanità.
